Curtas 2011 - Série II

The Sea of Memories – Bush (Setembro)

- Dez anos depois de Golden State, os Bush de Gavin Rossdale regressaram a estúdio para gravar o seu sexto álbum, num retorno que tinha tudo para correr mal, mas que acabou por se traduzir em The Sea of Memories, um álbum surpreendentemente bom. Trazendo alguma frescura ao Alternative Rock dos Bush, este LP aposta em músicas fortes e enérgicas e em canções bastante viciantes e bem construídas. Apesar de defeitos como a inconsistência e a perda de fôlego a meio impedirem que este disco seja uma obra-prima, este The Sea of Memories é um bom álbum, bem capaz de relançar a carreira do grupo. Confesso que fiquei com algumas expectativas para um próximo lançamento.

Pontos altos:

- The Mirror of Signs

- She’s a Stallion

- Stand Up

Nota Final: 7,2/10

 It’s Been A Long Night – Sean Riley & the Slowriders (Maio)

- Ao 3º disco de originais, o grupo coimbrense liderado por Afonso Rodrigues decidiu não arriscar muito, e manteve a aposta no seu Folk Rock temperado com Blues tão característico dos Sean Riley & the Slowriders. É certo que em It’s Been A Long Night nota-se que a produção, a cargo de Nelson Carvalho, está mais limpa e cuidada do que em Farewell (2007) e Only Time Will Tell (2009), mas este disco é uma clara aposta na manutenção de uma sonoridade que tem tido bons resultados. Apesar de não ser o meu disco favorito do quarteto, It’s Been A Long Night mostra uns Sean Riley & the Slowriders em grande forma, algo que eu espero que se mantenha.

Pontos altos:

- Silver

- Travelling Fast

- Night Owls

Nota Final: 7,8/10

 Arabia Mountain – Black Lips (Junho)

- Experimentada banda do Garage Punk norte-americano dos últimos 10 anos, os Black Lips  decidiram trabalhar com o famosíssimo Mark Ronson (Kaiser Chiefs ou Amy Winehouse estão no seu currículo) para gravar e produzir o seu sexto disco de originais. O resultado desta experiência foi Arabia Mountain, o álbum com produção mais polida e cuidada de sempre da história da banda. Contudo, ao nível da sonoridade, este continua a ser um disco típico dos Black Lips, com o Garage Punk de revivalismo inspirado nos The Kinks e na British Invasion a marcar uma presença forte. Jovial e enérgico, este Arabia Mountain não justifica, a meu ver, o hype que gerou, mas é uma bela obra.

Pontos altos:

- Modern Art

- Bicentennial Man

- New Direction

Nota Final: 7,5/10

Hurry Up, We’re Dreaming – M83 (Outubro)

- Para o sexto álbum, os M83 apostaram numa obra megalómana: um álbum duplo que, segundo as palavras de Anthony Gonzalez, explora a temática dos sonhos. Trazendo a característica Dream Pop de influência Electronica a que o grupo já nos habitou, Hurry Up, We’re Dreaming revela-se num belíssimo conjunto de 22 canções, mostrando uma ambição que nos lembra Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995), dos The Smashing Pumpkins. É certo que este disco do quinteto francês tem alguma inconsistência e alguns fillers, fruto da sua lona extensão, mas a verdade é que este Hurry Up, We’re Dreaming não deixa de ser um belíssimo LP por causa disso. Um grande disco de 2011.

Pontos altos:

- Midnight City

- This Bright Flash

- New Map

Nota Final: 8,4/10

Lulu – Lou Reed + Metallica (Outubro)

- Sendo eu fã confesso de Metallica e de Lou Reed, custa-me dizer que este Lulu foi das piores coisas que me passou pelos ouvidos neste 2011. A cooperação entre os grandes do Thrash Metal e o decano do Rock não parecia acertada ao início, e os medos da comunidade musical revelaram-se certeiros quando este álbum saiu. Admito que o conceito de misturar spoken word de Lou Reed com o instrumental dos Metallica, com letras inspiradas num musical alemão do século XIX parecia interessante à partida, mas acabou por soar a algo demasiado insípido e pouco apelativo. Enfim, fica para a próxima.

Pontos altos:

- The View

- Cheat on Me

- Junior Dad

Nota Final: 3,7/10

Bad as Me – Tom Waits (Outubro)

- Com quase 40 anos de carreira, e com 17 álbuns de originais editados até à data, Tom Waits é já um veterano do Rock, tendo uma posição já bem firmada no panteão, juntamente com figuras como Bob Dylan ou Neil Young. Contudo, o norte-americano de 62 mantém-se criativo como sempre, e sete anos depois de Real Gone (2004) lança este Bad as Me, um álbum que nos traz a voz distinta e icónica do músico, e que nos mostra um Rock com gostinho a Blues que Waits faz tão bem. Cheio de influências do Jazz, Rockabilly e Rythm & Blues, Bad as Me pode não ser o melhor que o artista já fez, mas é sem dúvida uma prova que Tom Waits se mantém tão relevante e actual como sempre.

Pontos altos:

- Chicago

- Bad as Me

- Satisfied

Nota Final: 8,1/10

Rome – Danger Mouse & Daniele Lupi (Maio)

- Partindo de uma premissa bastante interessante, de fundir o som das bandas-sonoras dos Western Spaghetti  com música Pop mais actual, Rome é o resultado da colaboração do músico e produtor norte-americano Danger Mouse (dos Gnarls Barkley) e do compositor italiano Daniele Lupi, que levou a pioneira ideia. Com instrumentações belas e cinematográficas, que pintam paisagens musicas muito apelativas, Rome conta ainda com as participações especiais de Jack White (The White Stripes, The Raconteurs) e Norah Jones, que juntaram as suas vozes a alguns dos temas presentes, e que enriqueceram este belo trabalho. Em suma, Rome não é perfeito, mas Danger Mouse e Daniele Lupi conseguiram criar aqui um trabalho sólido, original e bem conseguido, e isso é de louvar.

Pontos altos:

- Season’s Trees

- Two Against One

- The Matador Has Fallen

Nota Final: 8,0/10

Wild Flag – Wild Flag (Setembro)

- Composto por antigos membros de bandas consagradas do Alternative Rock norte-americano (Sleater-Kinney, Helium e The Minders), as Wild Flag são um “super-grupo” feminino que lançou este ano o seu primeiro disco, o homónimo Wild Flag, que traz um Indie Rock com uma grande influência de sonoridades Punk e Post-Punk, que se traduz em canções rápidas, frenéticas e imbuídas numa “aura” juvenil com muito boa onda. Apesar de não conseguir chegar ao nível dos discos “históricos” das bandas que antecederam este grupo, a verdade é que esta é uma das estreias mais interessantes deste ano.

Pontos altos:

- Boom

- Short Version

- Racehorse

Nota Final: 7,9/10

Hysterical – Clap Your Hands Say Yeah (Setembro)

- 3º disco deste grupo de Brooklyn, Hysterical traz-nos uma versão mais mitigada e radio-friendly da Indie Pop a que os Clap Your Hands Say Yeah nos habituaram. Com uma produção mais polida, e com forte aposta em orquestrações clássicas, longe estão os tempos de experimentalismo e arrojo do disco de estreia homónimo de 2005, onde a música dos Clap Your Hands Say Yeah faziam lembrar os Talking Heads. É verdade que, em momentos, este Hysterical parece recordar esses momentos áureos da banda, mas infelizmente este disco mostra um grupo muito mais Pop, com a voz de Alec Ounsworth a trocar os seus vocais pitorescos por um registo mais normal. Confesso que esperava mais deste quinteto.

Pontos altos:

- Same Mistake

- Into Your Alien Arms

- Ketamine and Ecstasy

Nota Final: 6,2/10

Strange Mercy – St. Vincent (Setembro)

- Sucessor do muito aclamado Actor (2009), Strange Mercy é o terceiro disco da norte-americana St. Vincent, e traz-nos mais um trago de Baroque Pop de fino recorte que caracteriza a sonoridade que a artista tem vindo a desenvolver desde Marry Me (2007). Com recurso a influências vindas do Alternative Rock e até do Jazz, este disco traz-nos também letras de tom introspectivo, e uma estética geral bastante intimista que me agradou bastante. Contudo, nem tudo é brilhante neste Strange Mercy, e alguns dos seus defeitos, como a inconsistência e a falta de apelo de algumas canções, impedem-me de poder dizer que este é um LP perfeito. Porém, este 3º disco de Annie Clark é bastante bom, e poderá traduzir-se numa boa descoberta para os mais distraídos.

Pontos altos:

- Cruel

- Surgeon

- Year of the Tiger

Nota Final: 8,0/10

Slave Ambient

Em 2003, Adam Granduciel e Kurt Vile, ambos da cidade de Philadelphia, decidiram juntar-se e criar um grupo de Folk Rock, os The War on Drugs. Após um elogiado disco de estreia, Wagonwheel Blues (2008), Vile saiu da banda, para perseguir uma bem sucedida carreira a solo. Agora, quase três anos depois do primeiro LP, surge o segundo registo do grupo, Slave Ambient, que chegou às lojas no passado dia 15 de Agosto, e que será hoje alvo de crítica.

Ao ouvir Wagonwheel Blues, encontrei uma banda cuja sonoridade se assemelhava à obra a solo de Kurt Vile: uma mistura do Folk e Folk Rock com a distorção e efeitos vindos do Shoegaze de bandas como os My Bloody Valentine ou The Jesus and Mary Chain. Confesso que apreciei, mas não posso dizer que Wagonwheel Blues tenha sido uma obra prima, pois a meu ver sofria de desequilíbrios de qualidade tremendos. Contudo, o mesmo não se passa com Slave Ambient.

À semelhança do primeiro álbum, Slave Ambient também aposta no cruzamento do Folk e do Folk Rock com o Shoegaze e a Dream Pop. Porém, se em Wagonwheel Blues encontrávamos um maior aproximação à Folk e uma instrumentação mais forte, neste segundo disco os The War on Drugs apostaram pelo outro lado do espectro, surgindo com um LP muito mais inclinado para os ambientes etéreos e hipnóticos da Dream Pop.

Contudo, no departamento vocal, Granduciel continua a soar a um meio caminho entre Bob Dylan e Bruce Springsteen, um autêntico regalo para quem, como eu, gosta dessas vozes “carismáticas”. Ao nível da produção, existe um maior cuidado do que no disco de estreia, mas continuamos a ter um clima muito “sonhador” em todo o registo, algo que me agradou bastante. A homogeneidade de Slave Ambient também é, sem dúvida, um factor muito positivo.

Porém, devo dizer que nem tudo esteve do meu agrado neste álbum. Um dos principais problemas é, a meu ver, o facto de existirem alguns “interlúdios” instrumentais entre canções, que destoam do ambiente geral do resto do disco, e que chegam a cortar várias vezes o andamento do LP.

Outro problema é o facto de alguma das canções deste Slave Ambient me soarem um pouco desinspiradas. Não digo que sejam más, mas simplesmente não estão ao nível de outras, e eu falho em sentir uma ligação com elas, o que a meu ver retira algum do brilho deste disco.

Como melhores faixas deste disco, destaco a alegre Brothers, a fervilhante Your Love Is Calling My Name, e a minha preferida do álbum, Baby Missiles, que passa um sentimento de urgência que faz dela uma canção muito forte. As peças menos boas são, a meu ver I Was There, The Animator ou City Reprise #12, que padecem de todas as falhas que enunciei anteriormente.

Em suma, Slave Ambient é um belo disco, que mostra uma franca melhoria em relação ao seu antecessor, Wagonwheel Blues. Apesar de manter alguma da estética do álbum de estreia, este LP mostra uma banda que não tem medo de mudar a sua sonoridade e arriscar, e isso é algo que valorizo muito. Esperemos que essa coragem se mantenha para ver se da próxima vez os The War on Drugs conseguem surpreender ainda mais.

Nota Final: 8,2/10

João Morais


[Este texto foi originalmente publicado no Espalha Factos, podendo ser lido aqui]

Curtas 2011 - Série I

Com o final de ano a aproximar-se chega também a altura de olhar para os últimos 12 meses e analisar os discos que “escaparam” das malhas das reviews, para poder ter um panorama mais completo do que foi a música de 2011. Para o MDC esse trabalho é longo e árduo, e por isso inicio aqui uma rubrica que será recorrente nos próximos dias, o Curtas 2011, que visa dar uma breve vista de olhos pelos álbuns que, infelizmente, foram negligenciados aquando do seu lançamento, mas que se vêem agora justiçados.

Father, Son, Holy Ghost – Girls (Setembro)

- Após o hype de Album (2009), LP de estreia dos Girls que fundia o Lo-fi  tipicamente Indie com um leque vasto de influências como The Beach Boys, Elvis Costello ou Spiritualized, o grupo de Christopher Owens voltou este ano a estúdio para lançar este Father, Son, Holy Ghost, um disco que traz algumas mudanças na sonoridade da banda. Uma produção mais polida e com muito menos Lo-fi, e um som fortemente influenciado pelos anos 60 e 70 (veja-se Die, que “tresanda” a Fleetwood Mac) traduzem-se num disco que é, a meu ver, mais fraco que o seu antecessor, mas que ainda assim consegue ser um belo registo, merecedor de atenção por parte dos melómanos fãs de Indie Rock.

Pontos altos:

- Die

- Vomit

- Jamie Marie

Nota Final: 7,0/10

Gloss Drop – Battles (Junho)

- Reflexo da saída do vocalista e multi-instrumentalista Tyondai Braxton, este Gloss Drop revela-se como um álbum maioritariamente instrumental, se bem que pontualmente polvilhado de (brilhantes) participações especiais de vocalistas convidados (como Gary Numan em My Machines ou Matias Aguayo em Ice Cream). No geral, o Math Rock dos nova-iorquinos Battles surge em Gloss Drop mais fluído e solto do que em Mirrored (2007), traduzindo-se num LP bastante experimental, mas com uma enorme consistência ao nível da qualidade. Fica-se à espera do que estes norte-americanos terão para dizer no próximo disco, mas a verdade é que este Gloss Drop colocou a fasquia num patamar bastante elevado.

Pontos altos:

- Ice Cream

- Wall Street

- White Electric

Nota Final: 8,3/10

James Blake – James Blake (Fevereiro)

- Visto por várias publicações de música como o disco do ano, este primeiro LP do britânico James Blake veio surpreender muita gente com a forma como juntou Electronica e Post-Dubstep com Soul e R&B, cortando com a tendência que tinha vindo a seguir nos EP’s que antecederam este James Blake. Contudo, apesar da inovação ser bastante interessante, não posso dizer que este registo me tenha conquistado por inteiro. É certo que estão aqui presentes canções de grande nível, com uma sensibilidade tocante, mas a verdade é que, a meu ver, algumas das faixas com maior potencial acabaram por ser “esmagadas” pelo experimentalismo cego da sua Electronica e o uso constante do Auto-Tune. Em suma, não é uma má estreia, mas acabou por me parecer apenas uns furos acima do mediano.

Pontos altos:

- The Wilhelm Scream

- Limit to Your Love

- To Care (Like You)

Nota Final: 6,8/10

The Hunter – Mastodon (Setembro)

- Quinto álbum de um dos nomes mais sonantes do Sludge Metal, The Hunter mostra uns Mastodon que decidiram fazer algumas reestruturações na sua fórmula clássica. Mudando um cânone cujas origens remontam a Remission (2002), The Hunter afasta os épicos conceptuais “Prog-escos” de 15 minutos e aposta em 13 canções curtas, fortes e directas. Contudo, existe uma certa continuidade, tanto na sonoridade de base (que se mantém numa fusão entr o Sludge e o Progressive Metal) como nas líricas (que preservam a estética baseada em grandes clássicos da literatura e mitologias ancestrais), que irá de certo agradar à “velha guarda” dos fãs do grupo. Resumindo, The Hunter é um belíssimo disco que veio trazer uma certa frescura a uma fórmula vencedora.

Pontos altos:

- Black Tongue

- Blasteroid

- Dry Bone Valley

Nota Final: 8,0

Metals – Feist (Outubro)

- Que seria difícil suceder ao hiper-aclamado The Reminder (2007), já toda a gente sabia. Infelizmente, eu não estava à espera de ficar tão desiludido com o quarto disco da canadiana Leslie Feist. Apesar de louvar a tentativa de inovação, e da exploração de ambientes mais negros e introspectivos, a verdade é que este Metals não consegue passar da mediocridade, pois acaba por se tornar demasiado monótono e sonolento, devido ao excessivo uso do “piano choradinho”, que falha em complementar bem as canções. Embora estejam também presentes algumas peças de grande qualidade, que de facto mostram o quão talentosa Feist, a verdade é que este Metals acaba por ser, na minha opinião, um grande retrocesso em relação ao trabalho demonstrado em The Reminder.

Pontos altos:

- A Commotion

- Undiscovered First

- Comfort Me

Nota Final: 5,5/10

The Year of Hibernation – Youth Lagoon (Setembro)

- Projecto nascido da mente de Trevor Powers, Youth Lagoon é um dos nomes que mais hype tem gerado dentro da cena Indie norte-americana. Com uma estética Chillwave bem presente, The Year of Hibernation prima pelo tom intimista e tocante que a mistura da Lo-fi, Synthpop e Dream Pop conferem à sonoridade deste disco. Contudo, esta pequena pérola de 8 faixas não é perfeita, pelo que se nota alguma homogeneidade no registo, que faz com que às vezes pareça que não há quase diferença entre canções. Contudo, esta é uma bela estreia de Powers, que irá fazer as delícias de muito aficionado do Chillwave. Destaque também para 17, um dos grandes temas de 2011.

Pontos altos:

- Afternoon

- 17

- Daydream

Nota Final: 7,7/10

Bon Iver, Bon Iver – Bon Iver (Junho)

- Começando como projecto a solo do norte-americano Justin Vernon, que se tornou num dos grandes nomes do Indie em 2008 com o brilhante For Emma, Forever Ago, Bon Iver (agora em formato banda) regressou este ano com o duplamente homónimo Bon Iver, Bon Iver, um disco que conseguiu surpreender toda a gente, pela inesperada transição directa do Folk para o Baroque Pop, o que acaba por ser, para mim, tanto bom quanto mau. Apesar de apreciar a constante inovação e renovação por parte dos artistas, a verdade é que a ruptura de um intimismo solitário do duo cantautor/guitarra para uma panóplia imensa de sons e instrumentos acaba por, em algumas ocasiões, “encher” o som e matar a “sinceridade” que eu tanto apreciei em For Emma, Forever Ago. Conclusão: Bon Iver, Bon Iver é um bom disco, mas confesso que esperava melhor.

 Pontos altos:

- Perth

- Holocene

- Calgary

Nota Final: 7,3/10

Goblin – Tyler, The Creator (Maio)

- Um dos principais membros dos Odd Future (ou OFWGKTA), grupo de rappers e produtores de Alternative Hip-Hop californianos, Tyler, The Creator é, provavelmente, o artista mais polémico de 2011, quer pelas acusações de misoginia e homofobia de que é alvo, que pelos polémicos videoclips que imagina para as suas canções. Este ano, lançou o sucessor de Bastard (2009), Goblin, o seu segundo disco a solo, e cuja sonoridade se mantém bem assente em letras provocantes e em ritmos electrónicos gélidos, mas que acaba por falhar em suceder condignamente ao “primogénito”, devido à sua gritante irregularidade ao nível da qualidade. É certo que algumas canções são bastante boas, mas no geral confesso-me desiludido com este Goblin.

Pontos altos:

- Yonkers

- She

- Sandwitches

Nota Final: 5,3/10

Era Extraña – Neon Indian (Setembro)

- Para quem não conhece, os Neon Indian são um dos grandes nomes do movimento Chillwave (a par de projectos como Toro Y Moi ou Washed Out), criado pelas mãos de Alan Palomo, e que se estreou em 2009, com o mui badalado Psychic Chasms. Agora, em 2011, surge o segundo disco da banda, Era Extraña, que continua na linha de fusão do Indie Pop com a Lo-fi que imperava em Psychic Chasms, mas de forma mais sólida e consistente, algo que me agradou imenso. Os vocais etéreos, as batidas frenéticas, as distorções hipnóticas,os samples de antigos jogos de arcada (oiça-se Arcade Blues), tudo se conjuga muito bem neste belíssimo Era Extraña.

Pontos altos:

- Polish Girl

- Hex Girlfrend

- Halogen (I Could Be A Shadow)

Nota Final: 8,0/10

Ceremonials – Florence + the Machine (Outubro)

- Confesso que não morri de amores por Lungs (2009), álbum de estreia da britânica Florence Welch e da sua máquina que conseguiu arrebatar os corações de muito boa gente. Por isso, não é de estranhar que não tenha ficado propriamente entusiasmado com o lançamento do seu sucessor, Ceremonials, mas ainda assim decidi dar-lhe uma chance e ouvi-lo. O resultado; apesar de ainda não me ter convertido ao culto de seguidores da ruiva que reina no mundo da Indie Pop, a verdade é que este segundo LP mostra uma sonoridade mais madura, com uma produção mais aprumada e com instrumentações mais bem conseguidas. É preciso dar crédito aonde ele é merecido, e a verdade é que Ceremonials conseguiu subir a fasquia para os Florence +  the Machine, mesmo que o som do grupo continue a soar-me bastante mediano. Talvez para a próxima eu me deixe conquistar, mas até lá, continuamos assim.

Pontos altos:

- Shake It Out

- No Light, No Light

- Spectrum

Nota Final: 5,8/10

Ritual Union

Vindos da Suécia, os Little Dragon são um quarteto de Trip Hop e Electronica que começou a sua carreira em 1996. Os seus primeiros dois discos, Little Dragon (2007) e Machine Dreams (2009), foram muito bem recebidos pela crítica, que elogiou a forma como os vocais delicados de Yukimi Nagano e a mistura de géneros tão díspares como aSoul, o Downtempo ou a Synthpop se fundiam para criar uma sonoridade única. Hoje, em análise, temos o terceiro LP da banda, Ritual Union, saído a 25 de Julho.

Confesso, apenas recentemente comecei a “mergulhar” no catálogo desta banda sueca. No entanto, após algumas audições, percebi porque é que este grupo é tido em tão grande conta, tanto pela crítica como por outros artistas (prova disso é a colaboração com os Gorillaz em Plastic Beach). Ao ouvir os primeiros dois álbuns, confesso que o som dosLittle Dragon me deixou num estado absoluto de relaxamento e despreocupação, e isso é algo que felizmente transita para este Ritual Union.

A voz de Yukumi Nagano, apesar de manter a delicadeza dos discos anteriores, surge aqui mais incisiva, mostrando uma faceta menos conhecida da cantora. As letras também acompanham essa evolução. Apesar de ainda haver espaço para o intimismo e gentileza de Little Dragon e Machine Dreams, aqui vemos mais angústia e amargura na escrita dos temas, uma maturidade que me agradou.

Contudo, o maior trunfo deste Ritual Union é sem dúvida o som propriamente dito. As batidas que caracterizaram os anteriores lançamentos dos Little Dragon ainda estão bem presentes, continuando a trazer à memória uns Massive Attack (particularmente da era Mezzanine). Porém, a sonoridade no seu todo vem carregada de mais sintetizadores e com um ambiente que encontra clara inspiração na New Wave britânica dos anos 80. Isto, aliado a uma produção bem equilibrada, resulta num disco que me agradou bastante.

No entanto, Ritual Union não escapa sem alguns defeitos, a começar pela falta de consistência, que  a meu ver mina a potencialidade que este disco tinha de ser uma obra brilhante. Se é verdade que neste álbum estão presentes peças extraordinárias, também não estarei a mentir quando digo que estão aqui presentes canções que não me agradaram nem um bocadinho.

Outro problema é a maneira como essas canções, para mim inferiores, estão todas concentradas no final do disco, o que faz com que estas “matem” o andamento esplendidamente construído até aí, encerrando mal o disco. Aliás, Seconds foi, na minha opinião, a pior escolha para fechar o LP, pois deixou-me a sensação de que este Ritual Union não ficou bem resolvido.

Como canções obrigatórias, indico a vibrante Please Turn, a faixa-título Ritual Union, que abre o disco muito bem, com uma evolução que desemboca num clímax sonoro incrível, ou aquela que é, a meu ver, a melhor faixa deste álbum, Shuffle A Dream, uma espectacular  música, em que o sintetizador ritmado consegue contagiar qualquer um. As piores do LP são, para mim, Nightlight, When I Go Out ou Seconds, músicas muito inferiores àquilo que já vi este grupo sueco fazer.

Concluindo, Ritual Union é uma bela obra, que mantém o nível de qualidade a que os Little Dragon nos têm habituado. Preservando a identidade musical que os distinguiu, este disco irá com certeza trazer mais fãs à banda, ao mesmo tempo que deixa os antigos seguidores felizes. Contudo, está longe de ser perfeito, tendo defeitos que o impedem de vôos mais altos. No entanto, não deixa de ser um agradável álbum de Trip Hop e Electronica, muito relaxante, que recomendo vivamente.

Nota Final: 7,8/10

João Morais

(Este texto foi originalmente publicado no Espalha Factos e pode ser visto aqui)

Here Before

Formados em 1975 na cidade norte-americana de New Jersey, os The Feelies são um dos grupos mais influentes do Alternative Rock americano dos anos 80, tendo inspirado o som de bandas como os R.E.M., Sebadoh ou Pavement. Depois de ter lançado o seu quarto disco de originais (Time For a Witness, de 1991), a banda entrou em hiato em 1992, tendo regressado ao activo em 2008. Em Abril deste ano voltaram à edição de álbuns, com Here Before, registo que será hoje analisado pelo MDC.

Para quem não conhece os The Feelies, a fórmula da sua música não é muito complicada; Alternative Rock com uma estética Lo-Fi típica dos anos 80, aliada a influências de grandes grupos e artistas norte-americanos como os The Byrds, The Velvet Underground ou Neil Young. Era assim no disco de estreia, o brilhante Crazy Rythms (1980), e felizmente continua a sê-lo neste Here Before, um LP que surpreende pela positiva, com uma qualidade que não se esperava de um grupo que já não fazia música junto há 20 anos. Um regresso muito bem conseguido.

Como já tive oportunidade de dizer, a sonoridade dos The Feelies assenta num Alternative Rock bastante empolgante e inventivo, que aposta numa abordagem simples e directa. Contudo, neste Here Before conseguimos denotar uma forte influência acústica no som da banda, inspirado em alguns dos trabalhos de Neil Young ou John Fogerty. Porém, desengane-se quem pensa que este é um trabalho “levezinho”. Apesar de haver uma atmosfera mais “calma” em certos pontos, os The Feelies continuam a mostrar um Alternative Rock muito forte e seguro, bem na linha do que já fizeram anteriormente.

Ao nível das vozes, Bill Million e Glenn Mercer continuam com o seu estilo muito próprio, algo que vejo com muito bons olhos. Nas letras, mais uma vez, a dupla Million/Mercer continua a dar cartas, trazendo uma lírica que só pode agradar aos fãs da banda, falando de temas como o reencontro e o recomeço, tal como o próprio título do disco, Here Before, sugere. Na produção, também entregue a Million e a Mercer, assistimos a uma estética que também segue o cânone traçado pelos The Feelies; um som abrasivo e certeiro, que me agradou bastante.

No entanto, apesar das grandes qualidades deste LP, Here Before não é um álbum perfeito, tendo a meu ver alguns defeitos que o impedem de ser melhor. Começo pelo facto de, na minha opinião,  algumas das canções não estarem tão trabalhadas quanto poderiam, o que me leva a notar alguma inconsistência no disco, que em alguns momentos “mata” o ímpeto do registo.

Outro defeito deste registo prende-se com uma certa falta de originalidade em relação àquilo que os The Feelies já desenvolveram anteriormente. Apesar de apreciar (e muito) a identidade sonora que a banda foi criando ao longo dos anos, a verdade é que Here Before não traz nada de novo, algo que facilmente os torna num alvo de críticas neste departamento. Mesmo que as falhas deste LP não sejam gritantes, não deixam de ser, a meu ver, pontos menos fortes e que se repercutem na apreciação final do álbum.

Entre as minhas canções favoritas deste disco, contam-se a sonhadora Change Your Mind, a acelerada When You Know, e a minha preferida de todas, a electrizante e fervilhante Time Is Right. Entre as de que menos gostei estão Again Today, Later On e Bluer Skies, peças que a meu ver pecam por não terem um “brilho” que polvilha as faixas mais cativantes deste álbum.

Resumindo, Here Before faz parecer que nem passaram 20 anos desde Time For a Witness, e mostra uns The Feelies ao mais alto nível. Apesar de este não ser o melhor trabalho do grupo até à data, este LP é algo de especial, pelo regresso aos discos por parte do quinteto e pela qualidade que é visível nestes 45 minutos de música. Resta esperar que este retorno não tenha apenas um filho único, e que da ninhada de Here Before saiam mais álbuns de qualidade.

Nota Final: 8,5/10

João Morais

Deus, Pátria e Família

Aqui no MDC, B Fachada é um artista que dispensa apresentações. Com três LP’s e seis EP’s lançados em nome próprio, Fachada já cimentou bem o seu nome na “cena”, sendo uma das figuras grandes da “Nova Música Portuguesa”. Hoje, em dia de aniversário do Música Dot Com, vamos falar do seu mais recente trabalho, Deus, Pátria e Família, EP distribuído gratuitamente na internet em Junho deste ano.

Não é a primeira vez que escrevo sobre um trabalho de Fachada, como alguns de vós devem saber. Por isso, não deve ser nenhuma surpresa a minha admiração pela obra deste verdadeiro “bardo suburbano”, que é, a meu ver, um dos melhores artistas nacionais da actualidade. Por isso, peço desculpa pela minha abordagem de fanboy, mas a verdade é que Deus, Pátria e Família conseguiu conquistar-me por completo.

Para quem se lembra, o disco anterior de B Fachada foi B Fachada É Pra Meninos, lançado em Dezembro do ano passado, e contava com um rol de canções falsamente infantis, que sob a “capa” de uma sonoridade Indie Pop mais acessível, escondia letras maduras e reflexivas. Em Deus, Pátria e Família, porém, Fachada mostra-nos apenas uma canção, de 20 minutos, que preenche todo o EP, com uma Pop mais adulta e agarrada ao piano, e com letras que fazem lembrar FMI (1982), de José Mário Branco, com letras bem amargas, directas e interventivas.

Dividida em quatro partes (duas das quais se repetem, formando uma espécie de ciclo), Deus, Pátria e Família vai alternando, ao longo dos seus 20 minutos, entre ritmos mais efusivos e mexidos, partes mais “sonhadoras” e contemplativas e fases mais lentas, baladeiras e intimistas, dando ao registo uma dinâmica que impede que a faixa se torne repetitiva, ou aborrecida.

Ao nível das letras, prato forte de B Fachada, assistimos, como já referi, a temas bastante directos e interventivos, que podem ser interpretados com um olhar mais “político”, especialmente quando se tem em conta a crise que o nosso país atravessa. Também no campo lírico se sente uma certa alternância, aqui entre um lado mais crítico e “bruto” contra Portugal, e uma faceta mais esperançosa e terna.

Ao nível da produção, cujos créditos são divididos entre Fachada e Eduardo Vinhas , ouve-se um tratamento mais cru do que em B Fachada É Pra Meninos, o que condiz com o sentimento geral do EP, algo que me agrada muito. Confesso que isto, aliado a tudo o que já referi anteriormente, faz com que este Deus, Pátria e Família seja, para mim, uma obra imaculada, e talvez o melhor EP que eu ouvi este ano.

Resumindo, Deus, Pátria e Família é um EP de excepção, com uma canção de 20 minutos que prima pela falta de falhas. Com letras duras e incisivas habilmente criadas, B Fachada envereda por um caminho diferente de tudo o que fez anteriormente, mostrando que este é um artista que se reinventa constantemente, atributo muito raro nos dias que correm. Agora, resta aos fãs de Fachada aguardar que o seu quarto longa-duração seja lançado, algo que deve acontecer ainda este ano. Até lá, ficamos com este belíssimo EP.

Nota Final: 5/5 (para os EP’s, o sistema de notas é diferente)

(Para fazerem o download deste EP, cliquem aqui e baixem a pasta)

João Morais

Parabéns, Música Dot Com!

Pois é, o Música Dot Com está de parabéns; foi há exactamente dois anos, no dia 8 de Outubro de 2009, que esta “aventura” começou, com uma review do quinto disco dos Muse, The Resistance (um texto bastante parco em qualidade, devo admiti-lo).

Desde esse dia, o MDC cresceu, melhorou, “entrou” no Facebook e no Twitter, ganhou seguidores e ultrapassou as 10.000 visitas (já vamos nas 14.000). Tudo isto para um blog que começou como um hobby, e se tornou em algo mais, graças à dedicação de amigos e desconhecidos, que lêem e apoiam este nosso “cantinho” na Internet.

A todos vocês, um grande “Obrigado”, e “Parabéns”, porque este aniversário também é vosso!

João Morais

Take Care, Take Care, Take Care

Criados em 1999, os Explosions in the Sky são um dos nomes mais conhecidos do Post Rock instrumental, contando com uma carreira que incluí seis discos de originais. A mais recente obra do grupo, Take Care, Take Care, Take Care, saiu em Abril deste ano, sucedendo ao bem recebido All of a Sudden I Miss Everyone (2007), e será hoje analisado pelo Música Dot Com.

Confesso que fiquei fã dos Explosions in the Sky desde o momento em que escutei The Earth Is Not a Cold Dead Place (2003), uma autêntica obra-prima com um valor gigantesco para mim. E apesar de considerar que os EitS ainda não conseguiram ombrear com a qualidade desse majestoso disco de 2003, devo admitir que são uma banda que já conseguiu, desde então, criar álbuns muito belos, daí que tenha ficado com uma enorme expectativa por este Take Care, Take Care, Take Care, expectativa essa que felizmente não foi defraudada.

Quem conhece os Explosions in the Sky, sabe o que deve esperar em Take Care, Take Care, Take Care; Post Rock instrumental, com ritmos que vão intercalando entre calmas pacíficas, crescendos galopante e clímaxes poderosos e estonteantes. Nesse aspecto, os EitS seguem os cânones estabelecidos desde o primeiro disco da banda, How Strange, Innocence (2000).

No entanto, há diferenças entre este LP e o seu antecessor, All of a Sudden I Miss Everyone, que a meu ver elevam a fasquia de qualidade do grupo em comparação com o disco de 2007. A começar, a banda soa mais coesa, com os instrumentos a soarem ainda melhor. Depois, as canções estão ainda mais “urgentes”, conseguindo fazer passar um sentimento de expectativa que me agradou imenso.

Ao nível da produção, entregue a John Congleton, há também um corte com o som mais polido e cuidado de All of a Sudden I Miss Everyone. Em Take Care, Take Care, Take Care, as guitarras estão mais abrasivas e directas, a bateria mais agressiva, e o som do grupo é mais avassalador. Consigo dizer que, apesar de estar a anos-luz de The Earth Is Not a Cold Dead Place, este sexto álbum do grupo é dos melhores que os Explosions in the Sky já assinaram.

Contudo, este LP não está, a meu ver, perfeito. O principal defeito é, para mim, a falta de consistência que está presente em duas extensas canções do disco, Human Qualities e Be Comfortable, Creature, que para mim “morrem” a meio e falham em cativar-me totalmente. Apesar desta falha não fazer deste um mau álbum, a verdade é que tira-lhe o brilho, e impede-o de se afirmar como potencial “disco do ano”.

Das seis canções que compõem este disco, as de que gostei mais foram a hipnótica Let Me Back In, a dinâmica Last Known Surroundings, ou a minha preferida, a apressada e viciante Trembling Hands. As de que menos gostei, como já referi, são Human Qualities e Be Comfortable, Creature, que não sendo más faixas, não estão a meu ver ao nível das restantes peças.

Em suma, Take Care, Take Care, Take Care é um belíssimo disco, carregado de “mini-sinfonias” Post Rock, com a qualidade que só os Explosions in the Sky conseguem imprimir num LP. Apesar de não ser perfeito, este sexto registo do grupo é um claro avanço em relação ao seu antecessor, e deixou-me a pedir por mais deste quarteto norte-americano. Esperemos pelo próximo álbum.

Nota Final: 8,6/10

João Morais 

Watch the Throne

Os The Throne são um duo norte-americano de Hip-Hop formado por Kanye West e Jay-Z, dois artistas que dispensam apresentações. Com provas dadas nas suas carreiras, e com os seus mais recentes discos a terem sido bem recebidos pela crítica (Jay-Z com The Blueprint 3 e West com o maravilhoso My Beautiful Dark Twisted Fantasy), esta dupla decidiu juntar-se para um projecto conjunto, o disco Watch the Throne, que será hoje falado aqui.

Confesso-me fã, tanto de Kanye como de Jay-Z, que vêm ambos de LP’s muito bem sucedidos, tanto a nível comercial como crítico: My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010) é, discutivelmente, um dos melhores álbuns do ano passado, e The Blueprint 3 (2009) é um claro regresso à “forma” de outros tempos de Jay-Z, depois de um período de discos menos bons. As expectativas para este Watch the Throne estavam, por isso, bem elevadas.

Contudo, quando ouvi este longa-duração, confesso que não pude deixar de me sentir um pouco desiludido. Apesar de oHip-Hop de “alta-costura” de ambos os artistas ainda estar lá, a verdade é que o disco, no geral, não me impressionou. Não posso dizer que é um mau álbum, mas verdade é que Watch the Throne, para mim, não passa da barreira do aceitável.

Ao nível da sonoridade, continuamos a ter aquele Hip-Hop fortemente produzido, com grande recurso a samples e batidas Dance Pop a que estes dois artistas já nos habituaram. Contudo, se na segunda metade do disco essa produção é de grande qualidade e consegue ser cativante, na primeira o som soa-me desinspirado e de nível bastante inferior, chegando a ser um horror de se ouvir em algumas canções.

Outro aspecto que notei neste Watch the Throne foi o uso do Auto-Tune, que está presente em muitos momentos do LP. E se bem que em canções como That’s My Bitch ou Murder to Excellence esse efeito fique bem, também é verdade que a meu ver “estraga” faixas com potencialidade, como a faixa de abertura No Church in the Wild ou Gotta Have It.

No que toca às letras, o mesmo problema que verifiquei na produção volta a surgir: se em algumas das canções estas são fortes e bem pensadas, noutras peças a escrita soa-me forçada, desinspirada e pouco sincera. Em grande parte do álbum,West e Jay-Z não passam de “gabarolas” que fazem questão de nos descrever a sua vida luxuosa, algo que chega a ser excessivo. Contudo, quando falam de temas como a paranóia que surge quando se está no topo (Why I Love You) ou de criminalidade violenta dentro da comunidade negra (Murder to Excellence), os rappers parecem honestos e sérios, algo que me agradou.

Entre as minhas faixas favoritas do disco encontram-se Why I Love You, que encerra muito bem o LP, That’s My Bitch, que consegue fazer passar um ambiente obscuro muito interessante, e aquela que é a meu ver a melhor de Watch the Throne, Murder to Excellence, onde as letras de cariz social e a sonoridade acelerada fundem-se criando uma canção excelente. Infelizmente, a qualidade destas (e doutras) boas canções vê-se diluída em peças a meu ver inferiores, como Lift Off, Otis ou Who Gon Stop Me.

Concluindo, Watch the Throne não seria um mau disco de estreia caso Kanye West e Jay-Z fossem completos desconhecidos. Contudo, o peso do legado que ambos carregam faz-se sentir, e este LP torna-se quase inadmissível para artistas deste nível. Se por acaso os The Throne continuarem, fico à espera de muito melhor, pois este álbum não me deixou convencido.

Nota Final: 5,7/10

João Morais

(Este texto foi originalmente publicado no Espalha Factos e pode ser visto aqui)